A moda há muito tempo é caracterizada por superfícies glamorosas e perfeitas que não toleram qualquer forma de “sujeira”, definida pela antropóloga Mary Douglas como “matéria fora do lugar”. No entanto, nos últimos cinquenta anos, formas de sujeira, tanto reais quanto falsas, se infiltraram e decoraram a moda, simbolizando rebeldia, romantismo e decadência, bem como conceitos de transitoriedade, espiritualidade e regeneração.
Dirty Looks explora as muitas maneiras pelas quais a moda abraçou a estética “suja”, do poético e político ao subversivo e nostalgia contínua da lama, de paisagens antigas como o pântano a novos horizontes onde uma conexão espiritual com a terra é expressa através das vestimentas. Examinando elo a influência de atitudes decoloniais e perspectivas indígenas, também demonstra o que práticas alternativas – de materiais reciclados e resíduos reaproveitados a têxteis regenerados e reinterpretação de recursos naturais – poderiam oferecer à indústria.
A moda, como uma prática cultural profundamente significativa de adorno, é também a terceira indústria mais poluente do mundo. Ao adotarmos um “olhar sujo” para a moda, podemos começar com o que isso diz sobre nossa relação com a terra, resgatando as conexões desgastadas pela industrialização e colonialismo.
Nostalgia da Lama
A coleção Nostalgia of Mud, de Malcolm McLaren e Vivienne Westwood, combinou referências históricas e culturais. Ao redor da base da saia deste conjunto, há uma estampa da capa de um disco da Folkways intitulado “Dances of the World’s Peoples”, que também inspirou o álbum Duck Rock de McLaren, do mesmo ano.
As saias bufantes e em camadas da coleção, assim como o agora icônico Chapéu de Búfalo, foram apropriadas do vestuário das mulheres indígenas aimarás e quéchuas da Bolívia, conhecidas como cholitas, que adotaram o chapéu-coco após a chegada do estilo.
Inspirado por sua experiência de vida em Luxor e Cairo, o designer espanhol Miguel Adrover apresentou a coleção MeetEast em 2001. A coleção assumiu uma postura política, introduzindo visões alternativas do corpo feminino no cenário nova-iorquino. Este visual, intitulado “Bir of Freedom”, foi pintado à mão pelo ilustrador Richard Gray em algodão egípcio, que havia sido enterrado às margens do rio Vile por duas semanas para ganhar uma pátina arenosa.
Ruínas Românticas
Essas criações permitem que designers experimentem um artesanato elevado por meio de elaborados efeitos trompe l’oeil, incluindo pátina falsa, desfiamento e rasgos, apliques, bordados e marcas de queimadura, espetacularizando a ruína artificial dos vestidos. Atuam como lembretes da mortalidade e da transitoriedade da beleza, mas também podem ser um dispositivo libertador, rejeitando as ideias de perfeição brilhante e tempo linear. Como escreveu o autor Brian Dillon em Ruin Lust: “a ruína sobrevive a nós e nos liberta das garras das cronologias pontuais, deixando-nos à deriva”.
Alexander McQueen
Irere
Primavera/Verão 2003
Alexander McQueen
Ideias de mortalidade e decadência foram frequentemente exploradas na obra do designer britânico Alexander McQueen. Para Irere, a inspiração veio dos séculos XV a XVII, conhecidos como a
“Era dos Descobrimentos”. A coleção fazia referência às pessoas e aos animais da floresta amazônica, bem como aos piratas, aqui mencionados em um vestido de tule rasgado, desenhado para imitar uma roupa íntima encontrada em um naufrágio
Espectros de Sujeira
A moda rasgada, desgastada e envelhecida artificialmente tem sido, há muito tempo, um meio de se alinhar a ideias de autenticidade, rebeldia e romantismo.
No século XIX, os boêmios parisienses – tipos artísticos urbanos de origens cultas e abastadas – preferiam roupas “usadas”, que acreditavam que expressavam a experiência mundana e a rejeição à industrialização. Em seu rastro, a sujeira falsa ou real tornou-se um símbolo de honra para muitos: dos surrealistas da década de 1930 aos beats da década de 1950; hippies da década de 1960; punks da década de 1970; e defensores do grunge na década de 1990. A moda atual frequentemente explora esses diferentes períodos históricos e grupos sociais em busca de inspiração, levando o artifício e o artesanato da “sujeira falsa” ou do desgaste a novos extremos. O jeans rasgado tornou-se a expressão mais familiar desse fascínio boêmio e um exemplo de como a ideia de luxo foi invertida.
Manchas como Ornamento
Uma mancha na roupa é geralmente vista como uma marca vergonhosa, indicando a falha em manter os padrões de limpeza, controle e decoro.
Embora muitas vezes nos apressemos em removê-las, muitos designers exploraram a contradição de tornar essas manchas acidentais uma característica intencional de suas roupas.
Batom, vinho tinto, queimaduras de passar roupa e até manchas de pizza ganharam seus momentos nas passarelas, muitas vezes contrastados por tecidos brancos impecáveis, que continuam sendo um símbolo fundamental da respeitabilidade burguesa.
Detritos Brilhantes
Desde a criação dos materiais sintéticos e da moda prêt-à-porter produzida em massa na década de 1960, várias gerações de designers criticaram a crescente efemeridade da moda, transformando objetos encontrados no cotidiano em novas criações. Transformando lixo em tesouro, esses designers introduzem um motivo artístico que resiste às ideias categóricas de beleza, valor e à própria noção de “desperdício”. Em suas mãos, tudo, desde tecidos descartados a talheres e lixo doméstico, é transformado em montagens brilhantes, vestindo quem as usa com uma alegria desafiadora. As superfícies brilhantes, muitas vezes sintéticas, desses materiais recuperados contrastam com os materiais orgânicos, mas há uma sustentabilidade inerente na abordagem “sem desperdício” de suas novas aplicações e na ideia democrática de que todo material pode ser valioso e se tornar belo
.Alta Costura Outono/Inverno 1992
Serviço de Patrimônio e Arquivos – Maison Rabanne
Frequentemente considerado o “metalúrgico” da moda, o designer franco-espanhol Paco Rabanne foi pioneiro na transformação de materiais domésticos, transformando metal e PVC em discos e anéis artesanais para sua inovadora coleção de 1968, “12 Vestidos Inusáveis em Materiais Contemporâneos”, que causou sensação no mundo da moda. Neste look, as tampas de garrafas plásticas foram cortadas e penduradas em correntes para criar uma parte superior em camadas.
Criações diversas
Moda e Arte – Londres: Capital da Moda.
Barbican Centre
Barbican Centre é um centro de arte situado em Londres (Reino Unido), no coração de Barbican Estate. Inaugurado em 1982, num local da cidade destruído por bombardeamentos na Segunda Guerra Mundial, é um dos maiores da Europa.[1] No Barbican Centre há frequentes concertos de música clássica e contemporânea, representações teatrais, projeções de cinema e exposições de arte. Na sala de concertos têm sede a Orquestra Sinfónica de Londres e a Orquestra Sinfónica da BBC.
